Zoé Aubry (Suisse, 1993) développe une pratique de recherche visuelle par le biais de la photographie. Son travail, inscrit dans une perspective féministe critique, vise à révéler les mécanismes de visibilité, d'hypervisibilité et d'invisibilité des récits médiatiques dominants, et à interroger leur composition et leur validité documentaire. Les investigations visuelles de Zoé Aubry se nourrissent de la collecte d'informations et de données textuelles et visuelles qui constituent par la suite la base de la production d'images antagonistes et ouvrent de nouvelles possibilités de perception de la réalité. C'est le cas de la série Noms inconnus (2018 - présent), une enquête sur les féminicides orientée vers la recherche de formes de représentation iconographiques et textuelles alternatives au langage des reportages médiatiques. Son dernier projet, Effet Miroir Faire Écran, porte sur l'influence de la visioconférence sur la perception que nous avons de nos visages et sur le désir de les modifier pour améliorer leur apparence à l'écran, ce qui a provoqué une augmentation inattendue de la chirurgie esthétique faciale. Dans ce contexte également, le médium photographique est exploré par Zoé Aubry pour son potentiel à constituer une mémoire collective, à travers des images iconiques qui influencent la perception sociale de l'actualité, des dynamiques historiques et de l'identité. Diplômée en photographie à l'ECAL (Bachelor, 2016) puis en pratiques artistiques contemporaines à la HEAD, Genève (Work.Master, 2020), le travail de Zoé Aubry a été exposé en Suisse et en France, et distingué en 2019 par le Prix Arts et Humanités.

Née en 1989 à Vevey, Léa Katharina Meier,diplômée de la Hochschule der Künste de Berne et de la HEAD de Genève, dézingue les regards normatifs et oppressifs et tire à boulets rouges - ou multicolores - sur les dictatures de l’hygiène et du propre en ordre, de la honte et de l’échec, du ridicule et des désirs honteux. Par l’écriture, le dessin, la vidéo et la performance, elle mène sa croisade libératoire dans des ambiances tendres, loufoques et monstrueuses de train fantôme, de fête foraine, de théâtre de marionnettes et de contes de fée horrifiques et chamarrés. Les thématiques domestiques, organiques, sexuelles et sociales s’y croisent et s’y enchevêtrent au fil de narrations poétiques et critiques mêlant tradition clownesque, humour queer et «esthétique de la saleté et du plaisir».

Patricio Gil Flood (Argentine, 1977) travaille entre le Valais et Genève depuis 2013. Son travail se concentre sur les récits économiques et leur impact sur les trajectoires subjectives, avec un accent particulier sur les dynamiques coloniales. L'approche de Patricio Gil Flood repose sur une notion large de publication, au sens conceptuel de rendre public à travers une pratique d'expositions internationales, et au sens propre d’explorer l'impression d'images et de textes, sous forme d'éditions - sérigraphies, impressions sur tissu, cartes conceptuelles, livres, etc. – jusqu’à la fondation de la maison d'édition Macaco Press avec l'artiste Sabrina Fernández Casas en 2015. Avec le projet École du non travail (à partir de 2018), Patricio Gil Flood explore les manifestations quotidiennes des mythes de l'hyper-productivisme, du travail et des loisirs, en imaginant un projet lent et non linéaire, qui s'est matérialisé dans des publications, des installations et des situations collectives. Ce projet révèle également son intérêt pour les pédagogies alternatives et les formes d'auto-organisation, nourri notamment par une collaboration assidue avec des institutions et des organismes indépendants tels que le CIA - Centro de investigacion artistica (Buenos Aires). Patricio Gil Flood enseigne dans la section des arts visuels de l'EDHEA - Valais.

Pauline Julier est née en 1981 à Genève où elle vit et travaille. Diplômée en 2002 de l’Institut d’Études Politiques de Grenoble, elle poursuit ses études à l’École Nationale Supérieure de Photographie d’Arles jusqu’en 2007. Depuis lors, son travail d’artiste et de cinéaste mêlant recherches scientifiques, plastiques et humanistes est exposé à l’international. Elle explore les liens que l’homme crée avec son environnement à travers des histoires, des rituels, des connaissances et des images. Ses films et installations sont composés d’éléments d’origines diverses et restituent plusieurs types de récits qui expriment la complexité des interrogations des liens que nous tissons avec le monde. Travail ambitieux, solide, audacieux, questionnant plutôt qu’il n’affirme, il est temps de lui attribuer un prix qui honore ce cheminement fertile.Ses films et installations ont été montrés dans de nombreux musées, centres d’art et festival dont le Centre Pompidou, Loop à Barcelone, le Palozzo Grassi à Venise ou le Centre d’art contemporain de Genève. Son travail a fait l'objet d'une exposition personnelle au Centre Culturel Suisse à Paris en 2017 et à l'Institut d’art contemporain de Villeurbanne, en 2022.

D’origine iranienne, Laurence Rast, née en 1990, grandit en Suisse où elle obtient un CFC en Graphic Design, un Bachelor en Photographie à l’ECAL et un Master en Arts Visuels à la HEAD. S’appuyant sur sa double culture, elle observe les codes culturels suisses et iraniens sous un angle nouveau, de manière à comprendre l’influence des rôles du genre sur la société, mais aussi les conséquences de la migration ou le non-respect des droits fondamentaux. En 2017, elle publie le livre There Are No Homosexuals in Iran aux Editions Patrick Frey. Il est nominé parmi les 10 meilleurs livres de photographie de 2017 par le New York Times Magazine, puis sélectionné au Paris Photo Aperture First Photobook Award et au Author Book Award des Rencontres d’Arles l’année suivante. Son travail a été présenté dans plusieurs expositions collectives et individuelles à travers le monde, notamment ReGeneration3 au Musée de l’Élysée à Lausanne, Disruptive Perspectives au Museum of Contemporary Art à Chicago, Iran Contemporary à la Fotohof Art Gallery en Autriche et dans différents festivals comme Photo Kathmandu, Athens Photo Festival ou encore Tokyo International Photography Festival.Le jury a été particulièrement touché par son dernier travail Venuses, un projet où elle interroge le féminin, son ressenti et ses expressions. Elle y traduit par la photographie son entretien avec Shaya, une femme trans iranienne qui a vécu en Turquie, et avec Lena, sa voisine atteinte d’un cancer du sein dont elle documente le combat.

Comment déconstruire les codes cinématographiques dans un système visuel dominé par l'économie de l'attention. Le travail du collectif_fact, composé d'Annelore Schneider et de Claude Piguet (elle et il vivent et travaillent à Genève et à Londres), s'attache à l'hypercirculation de l'image dans la culture populaire, à ses réitérations quotidiennes et à l'impact que ces matériaux visuels exercent sur les récits contemporains. L'insistance de collectif_fact sur les processus qui président à la production de l'image, et plus précisément de l'image en mouvement, établit une forte tension entre visibilité et opacité dans leurs vidéos. Jouant sur l'appropriation et la répétition, les fragments narratifs remis en scène dans leur recherche invitent à reconnaître des images et des histoires identifiables, dévoilant leur dimension stéréotypée et leur lien direct avec la médiosphère quotidienne et l'histoire du cinéma. Les récits abordés dans leurs vidéos sont autant " trouvés " et appropriés qu'ils sont " infiltrés " dans la réalité factuelle par le doute et la suspension. Depuis 2002 ils ont pris part à de nombreuses expositions collectives ou personnelles, entre autres à la Maison Blanche à La Chaux-de-Fonds, au centre d’art contemporain de Genève, au CAN à Neuchâtel ou au Tenderpixel de Londres.

Alan Bogana, né en 1979, étudie les arts visuels à la HEAD à Genève puis se spécialise en méthodologies de recherche en art et en infographie à la Haute école d’art de Zurich. Il expose ses œuvres en Europe, aux États-Unis, aux Émirats arabes Unis et en Afrique du Sud. Il a été artiste en résidence à l’Institut Suisse de Rome, à la Cité Internationale des Arts de Paris, au Sommerakademie Zentrum Paul Klee de Berne, au Cap avec Pro Helvetia et à Zoug avec la fondation Landis & Gyr. Les travaux réalisés pendant sa récente résidence Pro-Helvetia à Hong-Kong - partiellement écourtée à cause de la Covid et donc accomplie depuis Genève - ont particulièrement intéressé le jury. Sa pratique interdisciplinaire incluant la sculpture, l’électronique, l’infographie et autres supports audiovisuels et électroniques est marquée par l’interrogation des caractéristiques de la lumière, de ses comportements et de sa perception explorés notamment dans le cadre de collaborations avec des institutions scientifiques. Il mène ses recherches par des moyens tels que les simulations infographiques de phénomènes impossibles, l’holographie, le laser ou la manipulation de matériaux translucides phosphorescents. En confrontant les imaginaires scientifiques (fictionnels, réels ou spéculatifs) et les implications des technologies numériques et des expériences spectatorielles, le travail d’Alan Bogana questionne notre perception du monde à travers sa médiation, en ancrant sa réflexion sur la différenciation toujours plus complexe entre réalité physique et espaces virtuels.

Maëlle Cornut (*1986) est une artiste formée en master à la HEAD (Genève). Depuis, elle expose très régulièrement en Suisse et en Europe, et tisse à chaque intervention, avec intelligence et instinct, un travail protéiforme, traversé par de grandes questions, souvent en lien avec la structure et l'organisation de nos sociétés. Féminin /masculin, systèmes anthropocentrés/écosystèmes, figurent parmi les thèmes centraux que Maëlle Cornut explore depuis longtemps. Tout en faisant référence, parfois en y insufflant de la poésie, parfois de humour, aux grandes théories de la sociologie et des études de genre répandues depuis quelques années, elle propose une vision très personnelle et originale tant dans la forme que dans le discours. Dessins, séquences animées, photographies et sculptures s'assemblent pour répondre à chaque fois à des problématiques très précises, et le lieu, l'endroit même de l'installation, devient matière de création. Ainsi, loin d'imposer le regard de l'artiste, loin de toute volonté de domination symbolique, les oeuvres de Maëlle Cornut se métamorphosent, s'adaptent à leur environnement, et nous amènent subtilement à nous remettre en question au coeur de notre propre environnement et à sortir de nos logiques et de nos systèmes de pensées limitants. Et c'est cette capacité de questionnement, de décentrement, présente au coeur de l'oeuvre de Maëlle Cornut que la Fondation Irène Reymond salue avec l'un des trois prix décernés en 2021.

Andreas Kressi Un kayac cryogénique, un prototype de «camping-train», un drone rétro-futuriste, une machine à bulles ou une collection de fossiles de robots… : les assemblages loufoques et poétiques d’Andreas Kressig (*1971) naissent généralement d’un espace donné, de matériaux amassés sur place et d’un temps éphémère. Formé aux écoles d’art de Genève (diplôme ESAV), Chicago (SAIC) et Kyoto (KCUA, doctorat en Media Art), il travaille principalement sur des installations-improvisations temporaires et sur mesure, même si la photographie, le dessin en impression laser, l’animation et le modélisme font aussi partie de sa palette technique et expressive. Entre bric-à-brac de récupération (miroirs, bâches, caoutchouc, objets de brocante, branchages, ferraille, plexiglas, câbles ou écrans...) et différentes sources de lumière (leds clignotants, lampes de signalisation, spots et paillettes...) ou autres projections lumineuses suscitant des jeux d’ombres étranges, l’homme est un Inventeur de machines improbables imbriquant éléments archaïques et dernières technologies ; un bricoleur inspiré de véhicules burlesques qui nous entraînent dans ses voyages extraordinaires autant qu’imaginaires ; un rêveur éveillé que l’état du monde inquiète et qui distille par petites touches sa philosophe écologiste et alarmiste.

ENTRER DEHORS SORTIR DEDANS

• EXPOSITION DU 7 MARS AU 16 MAI 2015
• du lundi au vendredi, de 10h à 20h, le samedi de 14h à 18h (fermeture les jours fériés et le samedi 2 mai)
• accès libre

Commissaire : Lorette Coen

La Maison de l'Amérique latine invite Carmen Perrin à investir ses espaces d'exposition avec une proposition intitulée Entrer dehors sortir dedans imaginée spécifiquement pour les lieux. Sous le commissariat de Lorette Coen, l'artiste bolivienne et genevoise nous livre une œuvre intime, entre sculpture et dessin, qui se joue de l'espace et du temps, des références et des innovations, du vide et du plein.

« Ce que cherche Carmen Perrin : faire apparaître l'immédiat, l'éclair de la proximité. Ce qui l'enivre : la distance franchie d'un trait et aussi, l'affrontement des précisions. Et ce vers quoi elle tend de toutes ses forces : le présent d'elle-même. Ces formules qui miroitent, puisées chez Michel Foucault, la fascinent, elle, femme qui parle avec le corps et use discrètement de la parole».

Sa présence à la Maison de l'Amérique latine revêt un caractère essentiel. Elle y poursuit un mouvement déjà engagé, un cheminement attentif à travers une géologie et une géographie personnelles, résultat de fusions imprévisibles et de combustions contrôlées. Elle répond à une aspiration intime tracée en très léger filigrane dans les travaux présentés. De nature variée, ces oeuvres livrent secrètement leurs fragments d'histoires ». Lorette Coen

Depuis les années 1980, Carmen Perrin explore sans relâche un système d'idées qui composent le cœur de sa pratique : l'expérimentation des propriétés physiques des matériaux, l'alliance du mécanique et de l'organique, le travail des notions de traces et de mémoire. Le produit de ses recherches prend des formes variées dont les racines puisent à la même source, comme tant de différentes solutions à ce qui la préoccupe, encore et à nouveau. Avec une certaine malice, Carmen Perrin interroge le regard du spectateur en le défiant par des jeux d'illusion. Ses œuvres opèrent sur un mode de renversement selon qu'elles sont appréhendées dans une vue d'ensemble ou dans le détail. L'artiste nous force à un aller-retour constant pour nous positionner à juste distance de l’œuvre afin d'embrasser les rapports contradictoires de son travail et de nos perceptions.orages, Les cahiers d'Alberto (cahiers du cinéma années 80), 2012 ; Revues perforées, 108x86x2cm. Crédit photographique Nathalie Rebholz.  

Carmen Perrin est née en 1953 à la Paz en Bolivie. En 1960, alors qu'elle a 7 ans, son père Alberto décide de s'exiler avec toute sa famille en Suisse dont il est originaire par le biais paternel. Dans la cité de Calvin, Carmen Perrin effectue toute sa scolarité et ses études artistiques. En 1981 elle obtient son diplôme à l’École des beaux-arts de Genève et, en 1986, elle commence à enseigner dans cette institution.

Dans le courant de cette même année, elle participe à une exposition au Musée Cantini à Marseille et s'y installe pour y vivre et y travailler pendant huit ans. En 1993, elle obtient une bourse de la Fondation Landys et Gyr qui lui permet de vivre et d'occuper un atelier pendant une année à Londres. Elle y séjournera deux ans.

Actuellement elle vit et travaille à Genève et occupe aussi régulièrement un atelier en France.

« Ma culture s'est construite dès l'enfance par un mélange de la culture hispano-précolombienne et suisse. J'ai beaucoup regardé certaines œuvres constructivistes. L'Arte Povera m'a autant nourrie que l'art minimaliste, l'art post-minimaliste, le Land Art, l'architecture, la philosophies, la science et le cinéma. ... Carmen Perrin, Extraits du texte Dehors, in Carmen Perrin, Contextes, Ed Infolio, 2004, Suisse ».

Simultanément, la galerie Catherine Putman à Paris exposera des dessins de l'artiste et des pièces plus petites.

Un livre accompagnant les deux expositions est à paraitre chez Till Schaap - Genoud. Il documente les oeuvres des dix dernières années, notamment les interventions intég

Sandrine Pelletier :
Sandrine Pelletier (*1976 à Lausanne où elle vit et travaille après une formation à l'Ecole d'arts appliqués de Vevey puis à l'Ecal) cultive une complicité très tactile avec des métiers et matériaux traditionnellement liés à l'artisanat : textile, céramique, verre, bois... Un côté Arts & Crafts qu'elle revendique, tout en menant à travers eux un vrai travail d'artiste. Elle les aborde d'une manière inédite, troublante et poétique qui renvoie aux mythes et légendes, à des cultures populaires métissées, à l'occulte, à la mélancolie et à une forme d'humour noir. Son univers suggère l'émergence et le surgissement des choses, en même temps qu'il en esquisse déjà le déclin, la décrépitude et l'effacement.

Tarik Hayward :
Il dit pratiquer « une forme d'ingéniérie primitive, d'architecture de la nécessité ». Tarik Hayward (*1979 à Ibiza, vit et travaille à la Vallée de Joux après un bachelor en photographie et vidéo, puis un master en arts plastiques à l'Ecal) réempoigne avec un regard et une démarche d'artiste les gestes, les outils et les matériaux premiers (terre, bois, compost, sciure, glace.. ) en conjuguant l'héritage du modernisme, de l'art minimal et des utopies alternatives. Sauf que c'est plutôt sur les ruines d'un certain modèle artistique et économique -et peut-être aussi de son enfance perdue- qu'il construit, avec une dimension performative et existentielle, ses architectures précaires, lacunaires et évolutives.

Karim Noureldin :
La compréhension du monde par Karim Noureldin (*1967 à Zürich, vit et travaille à Lausanne depuis 10 ans) se fait principalement à travers les formes du paysage urbain, du design et de l’architecture, captées notamment par d’innombrables photographies. Dans son œuvre, le Lausannois d’adoption achemine les données de sa vision et s’attache à s’investir avant tout dans un médium modeste, celui du dessin. Au profit d’une expression singulière, il s’efforce d’aller vers le plus de complexité et d’hétérogénéité possibles. Ainsi en est-il des nombreux rhizomes, réseaux ou rythmes développés dans des espaces bi- ou tridimensionnels, puisque son dessin intervient aussi bien sur papier, dans l’atelier, que sur l’architecture.

Koka Ramishvili :
Koka Ramishvili (*1956 à Tbilissi, en Géorgie, vit et travaille à Genève) fait partie d’une génération d’artistes qui instaurent leur pensée à travers de multiples médias, tout en veillant à les maîtriser parfaitement à chacun de leur usage. Longtemps rattachées à une forme documentaire, les œuvres de Koka Ramishvili réalisées ces dernières années sont devenues des images pour être des images et non pour représenter des images. Sans choisir entre avant- ou arrière-garde, il a rejoint à sa manière le chapitre de l’art abstrait, ainsi que la tradition du monochrome. Ce travail résulte du plaisir de peindre et de produire à chaque fois une pièce unique et donc d’enfin s’adonner à ce médium qui est celui qui, depuis la formation de Koka Ramishvili, l’a toujours profondément touché.

En 2013 les candidats étaient Anne Rochat, Rudy Decelière, Simon Deppierraz et Hadrien Dussoix,
Depuis 1986, la Fondation a soutenu 74 artistes et distribué près de un million de francs.

Espace de Andrés-Missirlian
Place du Bourg 5
CH – 1323 Romainmôtier

http://www.espacedam.ch/2595-alain-huck-addition-lhomme-aux-betes/

http://www.fems.ch/news?language=de

ainsi qu'un essai de Mirjam Varadinis, commissaire à la Kunsthaus Zürich, qui constitue une introduction générale au travail de Jérôme Leuba, examiné dans ses rapports à la sphère publique (le livre contient également un récit de l'écrivain et réalisateur belge Jean-Philippe Toussaint).Le champ de bataille de Verdun transformé en parcours de golf, des consignes de survie en zone de guerre réglées à la manière d'un ballet chorégraphique, ou encore une série de bagages innocemment abandonnés sur le sol d'un musée : Jérôme Leuba (né en 1970 à Genève, vit et travaille entre Genève et Berlin) développe une stratégie du décalage qui consiste à s'inspirer de la réalité des faits pour mieux en corriger le point de vue et prendre en défaut les images. Jérôme Leuba s'intéresse à l'aura des lieux de pouvoir, des zones de conflits, des espaces de confrontation, ainsi qu'aux réseaux d'usages et de contraintes diversement intériorisés qui déterminent les attitudes privées, les rôles sociaux et les postures publiques et qui sculptent à notre insu nos comportements. Depuis plusieurs années, sur des supports et des formats divers (photographies, vidéos, performances et installations), il développe sur ce thème une vaste déclinaison d'œuvres intitulées « Battlefield » (champs de bataille).

Ces dessins à la lumière sombre et voilée sont présentés par deux dans une même salle. Un huis clos qui plonge le visiteur dans une noirceur inquiétante, pleine de forces obscures.

L'échelle des œuvres est impressionnante (271 x 400 cm) et renvoie aux formats de la "peinture d'histoire" que l'artiste réinterprète en donnant au dessin des dimensions gigantesques. Son travail de superpositions de différentes images, d'accumulations sur les motifs invite le spectateur à s'immerger dans l'œuvre afin d'y retrouver ses propres visions l'entraînant même dans une sorte de vertige.

autour de l'exposition
soirée Alain Huck
jeudi 31 janvier 2013 de 18h30 à 20h30
auditorium du musée - entrée libre
> conférence à 18h30

Le Travail d'Alain Huck
par Dominique Radrizzani, directeur du musée Jenisch, Vevey (Suisse), en présence de l'artiste

> lecture à 19h45

L'inspection des roses par Jean-Quentin Châtelain, comédien
Texte d'Alain Huck composé de 82 extraits d'auteurs tels Thomas Bernhard, Michel Leiris, Herman Melville, Amos Oz, William Faulkner... La combinaison de ces éléments crée une nouvelle forme textuelle, dans une démarche identique à celle que l'artiste pratique avec le dessin.

Manon Bellet, Ignazio Bettua, Kim Seob Boninsegni, Joëlle Flumet, Christian Gonzenbach, Alexandre Joly, Vincent Kohler, Jérôme Leuba, Luc Marelli, Luc Mattenberger, Boris Rebetez, Delphine Reist, Didier Rittener et Christian Robert-Tissot investissent les salles du musée et exposent des oeuvres significatives de leur travail et de leurs recherches artistiques. 

A travers un parcours mêlant peinture, sculpture, photographie, vidéo et installation, l’exposition présente le dynamisme et la diversité d’un important pan de la création romande contemporaine.

Le Musée d’art de Pully accueille les 14 lauréat-e-s distingué-e-s par la Fondation Irène Reymond ces six dernières années pour un tour d’horizon de la création contemporaine romande. Succédant à la célébration du 20e anniversaire de la fondation à l’Espace Arlaud à Lausanne (2006), qui réunissait les travaux des lauréats des 20 premières années du prix, l’exposition pulliéranne présente le travail de leurs successeurs. 

Tel un prisme, l’exposition réfracte les composantes, réfléchit les propriétés et révèle la multiplicité des expressions de la création en Suisse romande. A travers un parcours constitué de 11 salles, les artistes présentent en plus de 30 oeuvres le produit de leurs dernières recherches – pour la plupart des pièces inédites – et dévoilent leurs interrogations et leurs prospections.

Créé par l’ADIAF en 2000 pour soutenir la scène artistique française, le Prix Marcel Duchamp distingue chaque année un artiste français ou résidant en France travaillant dans le domaine des arts plastiques et visuels.
L’ambition de ce prix de collectionneurs, organisé en partenariat avec le Centre Pompidou, est de rassembler les artistes les plus novateurs de leur génération et de les aider à développer leur visibilité internationale.

Une exposition des artistes nommés aura lieu cet été au Château de Tours, puis en octobre à la FIAC. Choisi par un jury international, le lauréat sera annoncé le samedi 20 octobre 2012, puis invité par le Centre Pompidou pour une exposition personnelle au sein de l’espace 315 à l’automne 2013. L’ADIAF lui remettra une dotation financière de 35000 €.
 
Les nominés sont:
Valérie Favre, née en 1959, Galerie Jocelyn Wolff
Dewar Gicquel, nés en 1976 et 1975, Galerie Loevenbruck
Bertrand Lamarche, né en 1966, Galerie Poggi
Franck Scurti, né en 1967, Galerie Michel Rein